LA NUEVA EDUCACIÓN.
Año de edición: 2015.
Editorial: Plaza & Janes Editores.
País de origen: España.
Nombre del autor: César Bona.
Biografía: César Bona, nacido en 1972 en Ainzón (Zaragoza), actualmente es Maestro de Educación Primaria además de ser licenciado en Filología inglesa. Fue contratado en un colegio privado, sin mostrar previamente su valía como profesor, y a partir de ahí comenzó su viaje en la docencia encontrando en ese viaje la vocación que debe tener todo profesor. Tal vocación le llevó a alcanzar en 2014, gracias a su proyecto, una nominación al Global Teacher Prize, el premio más importante entre los maestros, en el cual fue finalista. Su andadura por colegios duró quince años hasta que se prestó al viaje de las conferencias y a escribir libros, en donde explica su visión de la educación y cómo podría mejorarse. Entre sus publicaciones se destacan libros como La nueva educación o El cuarto hocico. (1). (2).
Resumen en 10 frases del aprendizaje extraído del libro: - No dejarse guiar por las primeras impresiones o impresiones de otros acerca de los alumnos que tendrás a cargo. - Acercar al alumno al aprendizaje a través de herramientas que le hagan ser partícipe. - Hacer sentir importante a cada uno de los alumnos, destacando sus virtudes y mejorando sus debilidades. - Estimular la creatividad y la curiosidad en los niños. - Aprender con y de ellos. Los niños tienen mucho que enseñarnos también. - El aprendizaje y la educación deben tener como punto de partida el respeto. - No solo enseñar conocimientos a los alumnos, sino hacerles partícipes de acontecimientos que les sirvan también para la vida que les espera en un futuro cuando sean adultos. - Dificultades a la hora de realizar programaciones cuando no sabes con qué niños vas a tener que enfrentarte y que puede suponer un problema: porque primero se
debería conocer a los alumnos para después poder fijar las programaciones correspondientes. - La importancia que pueden tener los alumnos en el territorio en el que vivan u otros lugares porque ellos pueden hacer cosas increíbles y motivar a otros. - La importancia de compartir los conocimientos y las diversas formas de enseñar entre todos los profesores porque de ahí nace el progreso en la educación.
¿Qué tesis mantiene Bona en su libro? La educación debe estar por encima de la política y debe servir para formar personas integras. Para ello, propone métodos de enseñanza donde todos los alumnos tengan como principio fundamental de vida el respeto a los demás, saber desenvolverse ante cualquier circunstancia que pueda ocurrir en su vida, y sobre todo que sean personas felices durante toda su vida y proporcionales herramientas suficientes para que consigan alcanzar el conocimiento que se transmite en la escuela.
¿Cuál es el argumento? El argumento que se esboza es que el docente tiene que tener como base fundamental la vocación por dedicarse a la enseñanza. Y, a partir de ahí, adaptarse a las circunstancias de cada colegio con todo lo que eso supone y educar a sus alumnos. Pero no obligando a los alumnos a adquirir innumerables conocimientos que ni van a perdurar en ellos ni les van a servir, sino estimulando su creatividad y curiosidad, invitándoles a aprender sin forzarlos. Saber que se puede aprender con y de ellos, que el mundo del aprendizaje es un mundo abierto, donde todos pueden intervenir aportando algo. Y así, podremos educar a nuestros alumnos no en la competitividad sino en ser mejores de lo que eran antes. Pero para ello, debemos buscar la forma de saber compartir nuestro conocimiento y saber llegar a ellos. De esta manera, no solo nosotros tendremos la tarea de transmitirles conocimientos, sino que la cooperación entre todos, profesor-alumno, alumno-profesor y alumno-alumno se debe dar, ya que éste es un pilar fundamental por el cual se puede llegar a aprender muchísimo. Y, sobre todo, ser un maestro único, que no se deje influenciar por la monotonía de otros o del centro ni por los informes de ciertos alumnos que son encasillados en un rol que tal vez no es el suyo y que gracias a tener una visión
en donde todos empiezan de cero se pueda sacar todas sus virtudes a relucir, conllevando a que ese alumno comience a tener interés por las asignaturas, por el colegio y comience a verlo como algo valioso para su futuro. Así, en la búsqueda de una enseñanza en el respeto, en la cooperación, en el trabajo en equipo y en hacerles partícipes del proceso de enseñanza-aprendizaje es lo que trata de transmitir el autor que tienen que ser las bases de un maestro a la hora de enfrentarse a sus alumnos y poder sacar lo mejor de ellos.
BIBLIOGRAFÍA
1. BORRADOPEDIA: César Bona. https://borradopedia.com/index.php?title=C%C3%A9sar_Bona [Consulta: 20 de abril de 2018].
2. COMPARTELIBROS: César Bona. https://webcache.googleusercontent.com/search?q=cache:sQ2fl2dzDw8J:https://www.compartelibros.com/autor/cesar-bona/1+&cd=5&hl=es&ct=clnk&gl=es
viernes, 4 de mayo de 2018
Vigésimo cuarto día: ÚLTIMO DÍA!!!!
Hoy es el último día y se basará en estos tres apartados:
- Cómo partir de un hallazgo para poder utilizarlo en el aula.
- Cómo utilizar un artista.
- Cómo podemos utilizar un concepto.
El Kintsugi se refiere a una técnica donde se repara la cerámica ya sea con barniz u oro. Es mas un acto simbólico que un resultado porque lo que simboliza es que algo que se ha roto, se ha recompuesto, simboliza que has roto con alguien y has podido recomponer esa unión con esa persona.
Una amiga de la docente hizo en una clase una especie de experimento con el incidente que le había sucedido a ella con un taxista. A partir de dibujos de árboles por los niños, ella los rompió e intentó usar la técnica de Kintsugi con los niños, es decir, llevar a cabo una reconstrucción de tales dibujos de los árboles.
KINTSUGI. Recuperado de: http://www.flotexperience.es/resilencia-y-kintsugi/ . Fecha de extracción: 4 de mayo de 2018.
Uno de los destacadas es Yayoi Kusama. Con sus obras se pueden hablar de camuflaje, de la ley del resalte, de diversión, porque todo va dentro de los mismos colores. Se puede hacer pintura, instalaciones, dibujo, teatro..., es decir, todas sus obras pueden tratar todos estos temas.
Cabe resaltar que esta artista japonesa expresa un arte feminista donde su obsesión es el infinito.
Yayoi Kusama y su obra. Recuperado de: http://www.fundacionlafuente.cl/yayoi-kusama-la-artista-infinita/ . Fecha de extracción: 4 de mayo de 2018.
Otro artista es ,M.C. Escher, que destaca por trabajar con las Leyes de la Gestalt, y lo que hace es aplicarlas a su pintura y su dibujo. Casi todos son grabados. Sus aportaciones se pueden llevar a la escuela mediante la realización de diversos dibujos en una misma hoja.
M.C. Escher y su obra. Recuperado de: http://www.fundacionlafuente.cl/yayoi-kusama-la-artista-infinita/ . Fecha de extracción: 4 de mayo de 2018.
Una más es Nicola Costantino y lo que hace son trajes y pelotas con carne humana, como pueden ser pezones. Sus aportaciones nos sirven sobre todo para tratar temas importantes como la sociedad y la ética.
- Cómo partir de un hallazgo para poder utilizarlo en el aula.
- Cómo utilizar un artista.
- Cómo podemos utilizar un concepto.
El Kintsugi se refiere a una técnica donde se repara la cerámica ya sea con barniz u oro. Es mas un acto simbólico que un resultado porque lo que simboliza es que algo que se ha roto, se ha recompuesto, simboliza que has roto con alguien y has podido recomponer esa unión con esa persona.
Una amiga de la docente hizo en una clase una especie de experimento con el incidente que le había sucedido a ella con un taxista. A partir de dibujos de árboles por los niños, ella los rompió e intentó usar la técnica de Kintsugi con los niños, es decir, llevar a cabo una reconstrucción de tales dibujos de los árboles.
KINTSUGI. Recuperado de: http://www.flotexperience.es/resilencia-y-kintsugi/ . Fecha de extracción: 4 de mayo de 2018.
Uno de los destacadas es Yayoi Kusama. Con sus obras se pueden hablar de camuflaje, de la ley del resalte, de diversión, porque todo va dentro de los mismos colores. Se puede hacer pintura, instalaciones, dibujo, teatro..., es decir, todas sus obras pueden tratar todos estos temas.
Cabe resaltar que esta artista japonesa expresa un arte feminista donde su obsesión es el infinito.
Yayoi Kusama y su obra. Recuperado de: http://www.fundacionlafuente.cl/yayoi-kusama-la-artista-infinita/ . Fecha de extracción: 4 de mayo de 2018.
Otro artista es ,M.C. Escher, que destaca por trabajar con las Leyes de la Gestalt, y lo que hace es aplicarlas a su pintura y su dibujo. Casi todos son grabados. Sus aportaciones se pueden llevar a la escuela mediante la realización de diversos dibujos en una misma hoja.
M.C. Escher y su obra. Recuperado de: http://www.fundacionlafuente.cl/yayoi-kusama-la-artista-infinita/ . Fecha de extracción: 4 de mayo de 2018.
Una más es Nicola Costantino y lo que hace son trajes y pelotas con carne humana, como pueden ser pezones. Sus aportaciones nos sirven sobre todo para tratar temas importantes como la sociedad y la ética.
Obra de Nicola Costantino. Recuperado de: https://pandorama-art.blogspot.com/2015/07/fundacion-proa-presenta-por-primera-vez.html . Fecha de extracción: 4 de mayo de 2018.
Para traer movimientos artísticos a clase primero hay que acudir a exposiciones y tener una cultura bastante avanzada del tema en concreto. Así, es una mejor opción tratar el arte actual que el antiguo, ya que es el que podemos defender, entender y explicar de una manera más eficiente. Uno de los movimientos artísticos más importantes que se podría explicar y trabajar en clase con los niños sería el cubismo, siendo su máximo exponente Picasso.
Y esto es todo amigos, se acabó el curso.
jueves, 3 de mayo de 2018
Vigésimo tercero día: Fotografía!
Hoy la clase ha comenzado con nuestra docente diciéndonos las notas del examen y que es uno de los más difíciles porque nos enfrentamos a realizar preguntas y no responderlas. Pero que es necesario ya que nosotros vamos a dedicarnos a una de las profesiones más difíciles e importantes y tenemos que saber hacer frente no solo a saber responder sino también a saber preguntar.
Tras esto, con las instrucciones teóricas de ayer, nos hemos dispuesto a llevar a cabo la clase práctica de fotografía, sin duda la más divertida, interesante y que más he disfrutado y la mayoría de mis compañeros.
Nuestro compañero de grupo Luis, al ser el encargado de traer la cámara y tener conocimientos de su uso, ha sido el encargado de realizar las tres actividades con la cámara, mientras que los demás hemos hecho de modelo o hemos realizado las actividades mientras él usaba la cámara.
Lo que hemos utilizado ha sido: tela negra para el fondo, vestimenta negra, linterna y cámara.
Cabe señalar que la cámara utilizada gracias a nuestro compañero Luis fue una Nikon D6o, que utilizó manualmente y dejando el obturador abierto diferentes segundos, mayoritariamente se utilizaron 10 y 15 segundos.
Así, la primera actividad fue la elección de varias personas y con la luz de fondo realizaremos diferentes ejercicios en oscuridad donde necesitaremos enfocar la cámara. Primero usaremos el bodegón para ajustar la calidad y enfocar bien. Después, jugaremos con las luces y sombras desde distintos ángulos.
Bodegón-prueba. (Fotografía realizada por Luis Cortijo).
Posteriormente, hemos realizado con la linterna como luz tanto figuras como letras, desde un corazón hasta siglas o nombres de personas. Para esto hemos focalizado la imagen y jugando con la entrada y salida de luz además de ajustar la velocidad de obturación en 10 segundos.
Segunda actividad. (Fotografía realizada por Luis Cortijo).
Segunda actividad. (Fotografía realizada por Luis Cortijo).
Y por último, a partir de reflejar con la linterna luz en diversas posiciones, hemos obtenido diferentes fotografías en las que parece que tenemos tres cabezas.
Tercera actividad. (Fotografía realizada por Luis Cortijo).
Y como añadidura, hemos llevado a cabo fotos más creativas desde diferentes perspectivas y posiciones. Una de las más destacadas fue ésta que adjunto en la que utilizando papel de filtro rojo salieron unas fotos alucinantes.
Fotografía con filtro rojo. (Fotografía realizada por Luis Cortijo).
Fotografía con filtro rojo. (Fotografía realizada por Luis Cortijo).
YA SOLO QUEDA UNA CLASE MÁS!
Tras esto, con las instrucciones teóricas de ayer, nos hemos dispuesto a llevar a cabo la clase práctica de fotografía, sin duda la más divertida, interesante y que más he disfrutado y la mayoría de mis compañeros.
Nuestro compañero de grupo Luis, al ser el encargado de traer la cámara y tener conocimientos de su uso, ha sido el encargado de realizar las tres actividades con la cámara, mientras que los demás hemos hecho de modelo o hemos realizado las actividades mientras él usaba la cámara.
Lo que hemos utilizado ha sido: tela negra para el fondo, vestimenta negra, linterna y cámara.
Cabe señalar que la cámara utilizada gracias a nuestro compañero Luis fue una Nikon D6o, que utilizó manualmente y dejando el obturador abierto diferentes segundos, mayoritariamente se utilizaron 10 y 15 segundos.
Así, la primera actividad fue la elección de varias personas y con la luz de fondo realizaremos diferentes ejercicios en oscuridad donde necesitaremos enfocar la cámara. Primero usaremos el bodegón para ajustar la calidad y enfocar bien. Después, jugaremos con las luces y sombras desde distintos ángulos.
Primera actividad. (Fotografía realizada por Luis Cortijo).
Posteriormente, hemos realizado con la linterna como luz tanto figuras como letras, desde un corazón hasta siglas o nombres de personas. Para esto hemos focalizado la imagen y jugando con la entrada y salida de luz además de ajustar la velocidad de obturación en 10 segundos.
Segunda actividad. (Fotografía realizada por Luis Cortijo).
Segunda actividad. (Fotografía realizada por Luis Cortijo).
Y por último, a partir de reflejar con la linterna luz en diversas posiciones, hemos obtenido diferentes fotografías en las que parece que tenemos tres cabezas.
Tercera actividad. (Fotografía realizada por Luis Cortijo).
Y como añadidura, hemos llevado a cabo fotos más creativas desde diferentes perspectivas y posiciones. Una de las más destacadas fue ésta que adjunto en la que utilizando papel de filtro rojo salieron unas fotos alucinantes.
Fotografía con filtro rojo. (Fotografía realizada por Luis Cortijo).
Fotografía con filtro rojo. (Fotografía realizada por Luis Cortijo).
YA SOLO QUEDA UNA CLASE MÁS!
lunes, 30 de abril de 2018
Vigésimo segundo día: LUZ Y SOMBRAS: FOTOGRAFÍA
Hoy hablaremos de fotografía. Para hablar de fotografía hay que conocer y hablar de luz. Y hablar de luz es hablar de sombras.
La luz en el arte es la base. Cuando hemos hecho escultura, pintura... etc, nos hemos basado en la luz. La luz es todo para nosotros porque sin luz no estaríamos hablando de artes visuales. La creatividad se ve afectada por la luz en todos los puntos de vista. Una de ellas es el fuego. El invento del fuego fue importante también porque vence la noche. La luz es la que hace que se produzcan sombras. Las sombras nos hablan del lugar, de qué hora es...
Lo obvio: La luz y la sombra orienta visualmente para dar volumen, relieve o profundidad.
La luz rasante se ilumina a ras de la piel u objeto en donde todo lo que queremos iluminar quede fotografiado.
Los tipos de iluminación son:
- natural: del sol, la luna... y cambian con el paso de las horas. Eugenio Recuenco se basa en la iluminación natural que viene desde un lado.
- artificial: se puede presentar de forma general (dando iluminación uniforme sobre la zona iluminada), directa (90-100% de luz) , semidirecta (60% de luz) o difusa, donde se hace rebotar sobre un panel y dé una luz más suave y la luz se da con la misma intensidad en todas direcciones.
Hay diferentes formas de fotografiar:
depende de donde coloques la cámara tiene un significado muy fuerte.
- plano general: cuerpo completo.
- plano americano: hasta las rodillas.
- plano medio: hasta la cintura.
- primer plano: hasta los hombros.
Nosotros vamos a trabajar la luz y la fotografía. Vamos a dibujar con luz sobre la cámara. Rafael Lozano trabaja con luz y hace instalaciones artísticas (cortina y detrás fotografías de personas, delante hay unos grandes focos en la cortina pero cuando interfecta la persona la luz, se ve lo que hay detrás. Es una instalación interpretativa).
Frabizio Cornelli trabaja con la luz natural y artificial.
Las sombras además son importantes porque llaman la atención de los niños. Un ejemplo de esto se plantea en Peter Pan cuando salta por la ventana y se cierra de golpe cuando sale. Esto plantea un debate entre los niños del por qué no tiene sombra Peter Pan.
¿Qué cuentan las imágenes? nosotros lo que entendemos es el arte actual y no el antiguo. Esto se observa muy bien en un cuadro de Simon Nor.
Dan Flavin es uno de los destacados en el hecho con luz artificial.
También existe otra corriente en la que se trabaja con LED.
Ahora vamos a explicar la cámara fotográfica. Es algo que utilizamos y que no conocemos los principios mínimos para hacer las imágenes.
- La primera es el objetivo: es donde está el ojo de la cámara, es complejo (con diferentes lentes para evitar distorsiones y para poder captar con nitidez lo que está viendo). Hay lentes de plástico, cristal, sofisticadísimas...etc. Esa lente tiene un ojo y se puede abrir o cerrar (1 sería abierto y 16 cerrado). El diafragma debe estar cerrado lo máximo posible. Nosotros mañana lo haremos con 5,6 hasta 16. Cabe señalar que el diafragma es el equivalente al iris de nuestro ojo.
- La segunda es la velocidad: la cámara tiene muchas formas de "disparar" y lo puede hacer de manera lenta o rápida. Eso se expresa en segundos y décimas de segundos. Nosotros necesitaremos que sea lento con una velocidad de obturación muy baja (0,3), con la luz apagada y el diafragma cerrado.
- La tercera es la sensibilidad: depende más del objetivo que del material de la imagen. Tiene que ver con los píxeles que tenga una cámara. La sensibilidad tiene que ver con la capacidad que tiene la lente y los píxeles para poder captar lo que está ocurriendo. Tiene que ver también con el objetivo.
Si yo doy preferencia a enfocar o pierdo en velocidad o sensibilidad. Para ganar en una hay que perder en otra.
Formas de trabajar con las linternas que haremos mañana:
- iluminar un objeto:cojo la linterna e ilumino la silla, el respaldo, las patas, el diafragma abierto a 5,6, velocidad de obturación 30 segundos.
- iluminar mirando a la cámara.
- iluminar el fondo negro.
¿Qué son las instalaciones? es una obra artística que se produce en el espacio y que hay que recorrer. entonces el Land Art es una instalación y la naturaleza. Las que no lo son, son instalaciones.
Lo práctico " el arte de verdad de fondo". (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Frente a lo teórico "trabajar el arte sin llevarlo a la práctica". (Fotografía realizada por Sergio García Rodríguez).
La luz en el arte es la base. Cuando hemos hecho escultura, pintura... etc, nos hemos basado en la luz. La luz es todo para nosotros porque sin luz no estaríamos hablando de artes visuales. La creatividad se ve afectada por la luz en todos los puntos de vista. Una de ellas es el fuego. El invento del fuego fue importante también porque vence la noche. La luz es la que hace que se produzcan sombras. Las sombras nos hablan del lugar, de qué hora es...
Lo obvio: La luz y la sombra orienta visualmente para dar volumen, relieve o profundidad.
La luz rasante se ilumina a ras de la piel u objeto en donde todo lo que queremos iluminar quede fotografiado.
Los tipos de iluminación son:
- natural: del sol, la luna... y cambian con el paso de las horas. Eugenio Recuenco se basa en la iluminación natural que viene desde un lado.
- artificial: se puede presentar de forma general (dando iluminación uniforme sobre la zona iluminada), directa (90-100% de luz) , semidirecta (60% de luz) o difusa, donde se hace rebotar sobre un panel y dé una luz más suave y la luz se da con la misma intensidad en todas direcciones.
Hay diferentes formas de fotografiar:
depende de donde coloques la cámara tiene un significado muy fuerte.
- plano general: cuerpo completo.
- plano americano: hasta las rodillas.
- plano medio: hasta la cintura.
- primer plano: hasta los hombros.
Nosotros vamos a trabajar la luz y la fotografía. Vamos a dibujar con luz sobre la cámara. Rafael Lozano trabaja con luz y hace instalaciones artísticas (cortina y detrás fotografías de personas, delante hay unos grandes focos en la cortina pero cuando interfecta la persona la luz, se ve lo que hay detrás. Es una instalación interpretativa).
Frabizio Cornelli trabaja con la luz natural y artificial.
Las sombras además son importantes porque llaman la atención de los niños. Un ejemplo de esto se plantea en Peter Pan cuando salta por la ventana y se cierra de golpe cuando sale. Esto plantea un debate entre los niños del por qué no tiene sombra Peter Pan.
¿Qué cuentan las imágenes? nosotros lo que entendemos es el arte actual y no el antiguo. Esto se observa muy bien en un cuadro de Simon Nor.
Dan Flavin es uno de los destacados en el hecho con luz artificial.
También existe otra corriente en la que se trabaja con LED.
Ahora vamos a explicar la cámara fotográfica. Es algo que utilizamos y que no conocemos los principios mínimos para hacer las imágenes.
- La primera es el objetivo: es donde está el ojo de la cámara, es complejo (con diferentes lentes para evitar distorsiones y para poder captar con nitidez lo que está viendo). Hay lentes de plástico, cristal, sofisticadísimas...etc. Esa lente tiene un ojo y se puede abrir o cerrar (1 sería abierto y 16 cerrado). El diafragma debe estar cerrado lo máximo posible. Nosotros mañana lo haremos con 5,6 hasta 16. Cabe señalar que el diafragma es el equivalente al iris de nuestro ojo.
- La segunda es la velocidad: la cámara tiene muchas formas de "disparar" y lo puede hacer de manera lenta o rápida. Eso se expresa en segundos y décimas de segundos. Nosotros necesitaremos que sea lento con una velocidad de obturación muy baja (0,3), con la luz apagada y el diafragma cerrado.
- La tercera es la sensibilidad: depende más del objetivo que del material de la imagen. Tiene que ver con los píxeles que tenga una cámara. La sensibilidad tiene que ver con la capacidad que tiene la lente y los píxeles para poder captar lo que está ocurriendo. Tiene que ver también con el objetivo.
Si yo doy preferencia a enfocar o pierdo en velocidad o sensibilidad. Para ganar en una hay que perder en otra.
Formas de trabajar con las linternas que haremos mañana:
- iluminar un objeto:cojo la linterna e ilumino la silla, el respaldo, las patas, el diafragma abierto a 5,6, velocidad de obturación 30 segundos.
- iluminar mirando a la cámara.
- iluminar el fondo negro.
¿Qué son las instalaciones? es una obra artística que se produce en el espacio y que hay que recorrer. entonces el Land Art es una instalación y la naturaleza. Las que no lo son, son instalaciones.
Lo práctico " el arte de verdad de fondo". (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Frente a lo teórico "trabajar el arte sin llevarlo a la práctica". (Fotografía realizada por Sergio García Rodríguez).
sábado, 28 de abril de 2018
Vigésimo primer día: DIA DEL EXAMEN
Este pasado 27 de abril de 2018 fue el examen de la asignatura.
Constaba de dos partes: una práctica y otra teórica.
En la parte práctica, Mª Jesús nos planteó un proyecto "Marina Forest", donde todos tendríamos un tema a relacionar con nuestro árbol, y nos tocó un tema relacionado con la barbacoa, donde en menos de una hora tuvimos que crear un lugar en relación a la barbacoa, con su comida, mesa y banco para comer, la propia barbacoa hasta con la recreación del carbón... toda una locura entre los nervios del examen y el escaso tiempo para realizar la actividad. Pero ESTA parte salió bien. Cabe señalar que todos tuvimos un tema y teníamos que relacionarlo con nuestro árbol y realizar una breve exposición oral de por qué lo habíamos hecho así y la relación con el árbol, en nuestro caso, el sauce llorón. Todo esto fue grabado por nuestra docente.
Disfrutando de la barbacoa con nuestro sauce llorón. (Fotografía realizada por David Carmona).
Después, volvimos a clase para realizar el examen teórico en aproximadamente unos 15 minutos donde nos sorprendimos al ver que solo era una pregunta y un tanto abstracta y difícil de plantear en ese escaso tiempo. Pero seguro que con el esfuerzo que llevamos haciendo en este corto cuatrimestre, todo ese esfuerzo tendrá su recompensa, ya que todos hemos trabajado duramente para conseguirlo, docente y alumnos.
jueves, 26 de abril de 2018
Vigésimo día: Land Art
Hoy la profesora nos habla como recomendación "La mirada creativa" de Peter Jenny.
La mirada creativa, de Peter Jenny. Recuperado de: http://beatrizpaniaguanovillo.blogspot.com.es/2016/04/la-mirada-creativa-peter-jenny.html . Fecha de extracción: 26 de abril de 2018.
La clase será de Land Art: Es arte realizado en la naturaleza. Es la relación que existe entre la naturaleza y el individuo. Y se hace con muchos objetivos diferentes gracias a Robert Smithson con su obra más conocida la Spiral Jetty creada en abril de 1970.
- Renunciar al arte como objeto: la lucha de algunos artistas de moverse contra el arte consumista.
- conexión entre la obra de arte y el lugar (paisaje) en el que se encuentra.
- protestas contra el medio ambiente, la artificialidad y su comercialización.
- regresiones de espacio y tiempo.
- trabajar con la naturaleza.
- tiene relación con el feminismo.
- tiene relación de escultura y arquitectura.
- se construye con materiales como ramas, roca, agua además de elementos naturales.
- lo importante es el proceso, por delante del resultado final: la relación entre la obra y quien lo experimenta. Esto es una experiencia, es una experiencia vital.
- se asenta en los años 80.
Spiral Jetty, de Robert Smithson. Recuperado de: http://masdearte.com/especiales/la-espiral-jetty-smithson-en-su-laberinto/ . Fecha de extracción: 26 de abril de 2018.
Unas de las artistas españolas importantes de Land Art es Laura Torrado y Ana Mendieta. (Ella abre la brecha de los feminismos de Land Art y ella hace su propia silueta como por ejemplo conhielo).
Obra de Ana Mendieta. Recuperado de: http://colaboracionum2013.blogspot.com.es/2013/05/ana-mendieta.html . Fecha de extracción: 26 de abril de 2018.
Algunos libros para niños sobre Land Art es "Land art y el arte medioambiental" de Jefrrey Kastner.
Land art y el arte medioambental de Jefrrey Kastner. Recuperado de: https://www.casadellibro.com/libro-land-art-y-arte-medioambiental/9780714898292/1059652 . Fecha de extracción: 26 de abril de 2018.
Ahora vamos a hacer el dibujo de una bombilla en una hoja blanca, la pones encima de la cartulina gris y a través de la silueta dibujas con tiza la luminosidad de la bombilla. El casquillo se pintará de negro proyectando el fondo con carboncillo dando un color de oscuridad. Además nos podremos ayudar de una goma para hacer los reflejos proyectados en el fondo. Y luego en la otra cartulina, un dibujo al natural con dos o tres elementos con negro y blanco.
Primera actividad "Bombilla" (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Segunda actividad "Botella y ladrillo". (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
La mirada creativa, de Peter Jenny. Recuperado de: http://beatrizpaniaguanovillo.blogspot.com.es/2016/04/la-mirada-creativa-peter-jenny.html . Fecha de extracción: 26 de abril de 2018.
La clase será de Land Art: Es arte realizado en la naturaleza. Es la relación que existe entre la naturaleza y el individuo. Y se hace con muchos objetivos diferentes gracias a Robert Smithson con su obra más conocida la Spiral Jetty creada en abril de 1970.
- Renunciar al arte como objeto: la lucha de algunos artistas de moverse contra el arte consumista.
- conexión entre la obra de arte y el lugar (paisaje) en el que se encuentra.
- protestas contra el medio ambiente, la artificialidad y su comercialización.
- regresiones de espacio y tiempo.
- trabajar con la naturaleza.
- tiene relación con el feminismo.
- tiene relación de escultura y arquitectura.
- se construye con materiales como ramas, roca, agua además de elementos naturales.
- lo importante es el proceso, por delante del resultado final: la relación entre la obra y quien lo experimenta. Esto es una experiencia, es una experiencia vital.
- se asenta en los años 80.
Spiral Jetty, de Robert Smithson. Recuperado de: http://masdearte.com/especiales/la-espiral-jetty-smithson-en-su-laberinto/ . Fecha de extracción: 26 de abril de 2018.
Unas de las artistas españolas importantes de Land Art es Laura Torrado y Ana Mendieta. (Ella abre la brecha de los feminismos de Land Art y ella hace su propia silueta como por ejemplo conhielo).
Obra de Ana Mendieta. Recuperado de: http://colaboracionum2013.blogspot.com.es/2013/05/ana-mendieta.html . Fecha de extracción: 26 de abril de 2018.
Algunos libros para niños sobre Land Art es "Land art y el arte medioambiental" de Jefrrey Kastner.
Land art y el arte medioambental de Jefrrey Kastner. Recuperado de: https://www.casadellibro.com/libro-land-art-y-arte-medioambiental/9780714898292/1059652 . Fecha de extracción: 26 de abril de 2018.
Ahora vamos a hacer el dibujo de una bombilla en una hoja blanca, la pones encima de la cartulina gris y a través de la silueta dibujas con tiza la luminosidad de la bombilla. El casquillo se pintará de negro proyectando el fondo con carboncillo dando un color de oscuridad. Además nos podremos ayudar de una goma para hacer los reflejos proyectados en el fondo. Y luego en la otra cartulina, un dibujo al natural con dos o tres elementos con negro y blanco.
Primera actividad "Bombilla" (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Segunda actividad "Botella y ladrillo". (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
miércoles, 25 de abril de 2018
Decimonoveno día: Seguimos con el dibujo
Del libro que nos habla hoy la profesora es "El arte de los niños" de Corrado Ricci y es el primer libro sobre arte infantil.
Lo que vamos a hacer hoy es dibujar del natural, utilizando diferentes materiales y técnicas para las dos actividades previstas para hoy.
El dibujo natural consiste en saber cosas mínimas y aplicarlas correctamente. En este sentido, se diferencian tres aspectos: el horizonte, la verdad y la proporción.
De esta manera la primera actividad deberemos dibujar una botella con estas indicaciones. Se utilizará una botella, un folio blanco y un lápiz.
Intento de dibujar una botella al natural. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Ahora vamos a trabajar con tiza en la cartulina negra dibujando dos objetos. En mi caso, he decidido hacer una botella y un espejo.
Botella y espejo. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Lo que vamos a hacer hoy es dibujar del natural, utilizando diferentes materiales y técnicas para las dos actividades previstas para hoy.
El dibujo natural consiste en saber cosas mínimas y aplicarlas correctamente. En este sentido, se diferencian tres aspectos: el horizonte, la verdad y la proporción.
De esta manera la primera actividad deberemos dibujar una botella con estas indicaciones. Se utilizará una botella, un folio blanco y un lápiz.
Intento de dibujar una botella al natural. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Ahora vamos a trabajar con tiza en la cartulina negra dibujando dos objetos. En mi caso, he decidido hacer una botella y un espejo.
Botella y espejo. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
lunes, 23 de abril de 2018
Decimoctavo día: El dibujo
Hoy vamos a hablar del dibujo.
Dibujar, a diferencia de la pintar, consiste en una técnica o conjunto de técnicas que no implican color y se usan materiales secos (gráfico, lápiz, tiza...), no técnicas húmedas, como acuarelas. Se hace sobre una base que es el papel. En función del material empleado obtienes distintos resultados.
Tipos de dibujos:
- Expresivo: para expresar ideas y emociones (empleado con niños)
- Proyectivo: para proyectar ideas en el papel (empleado en niños)
- Natural: donde se toma la naturaleza como referencia, siendo difícil hacerlo en clase.
Materiales de dibujos:
- Lapiceros: son madera que depende de la nobleza de la madera y del grafito, y tiene una elaboración bastante complicada. Los lapiceros se diferencian según la letra que van enumerados:
B (blando) que puede ser un lapicero y H (duro). De ambos hay hasta el 18, el B normalmente se comercializa hasta el 8 y el H hasta el 6. El HB es el intermedio. Los palominos son los lapiceros de gran calidad que usaba Walt Disney para dibujar. El carboncillo es dócil (y también tiene diferentes durezas). Además, las ramas de sauce al ponerse a quemar surge el carboncillo. A los lapiceros se les puede sacar punta con una lija (la lija es un material de dibujo bastante importante). El grafito es un material muy bonito, conductor de la electricidad. Solo con moverlo sobre una superficie ya dibuja.
- Pinceles ( aparte de lijarlo, podemos mojarlo). El pincel debe estar limpio y seco para retirar el exceso de materia, y luego otro pincel para mojar.
- Borrador (pintado de negro y usándolo).
- Lija: se usa para rayar el borrador y conseguir borrados tonales.
En el dibujo saber poner y quitar.
- El difumino sirve para suavizar los colores y el contorno de las figuras y crear así sensación de movimiento y perspectiva.
- Ceras: las que utilizan los niños normalmente son los crayones, que están hechos de cera, carboncillo, tiza o diferentes materiales, se manifiestan en diversos colores y tienen la función tanto de dibujar como de pintar. El crayon si está hecho con resina seca y pigmento se llama pastel, si está hecho de tiza oleosa se llama pastel al aceite.
¿Para qué sirve el dibujo?: Para representar algo, para expresar una idea, un pensamiento.. sirve para expresar un mensaje.
TRABAJAR CON PLANTILLA
Podemos trabajar con linea proyectando la idea que tenemos pero este método también es muy útil. Empezamos haciendo una reserva y ya dibujando o incluso impregnando el carboncillo o el lápiz.
Ahora en clase vamos a hacer una montaña con reserva y con tres tonos diferentes.
Intento de primera actividad. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Otro intento de la segunda actividad a falta del tercer tono. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Con la práctica hemos podido ver que las partes más claras siempre están más cercanas que las partes oscuras dependiendo de la luminosidad del foco.
La profe nos habló de un llamado "¿Cuándo dejaste de dibujar?", cuyo breve resumen lo podemos encontrar en https://www.casadellibro.com/libro-cuando-dejaste-de-dibujar/9788494737268/6050545
Dibujar, a diferencia de la pintar, consiste en una técnica o conjunto de técnicas que no implican color y se usan materiales secos (gráfico, lápiz, tiza...), no técnicas húmedas, como acuarelas. Se hace sobre una base que es el papel. En función del material empleado obtienes distintos resultados.
Tipos de dibujos:
- Expresivo: para expresar ideas y emociones (empleado con niños)
- Proyectivo: para proyectar ideas en el papel (empleado en niños)
- Natural: donde se toma la naturaleza como referencia, siendo difícil hacerlo en clase.
Materiales de dibujos:
- Lapiceros: son madera que depende de la nobleza de la madera y del grafito, y tiene una elaboración bastante complicada. Los lapiceros se diferencian según la letra que van enumerados:
B (blando) que puede ser un lapicero y H (duro). De ambos hay hasta el 18, el B normalmente se comercializa hasta el 8 y el H hasta el 6. El HB es el intermedio. Los palominos son los lapiceros de gran calidad que usaba Walt Disney para dibujar. El carboncillo es dócil (y también tiene diferentes durezas). Además, las ramas de sauce al ponerse a quemar surge el carboncillo. A los lapiceros se les puede sacar punta con una lija (la lija es un material de dibujo bastante importante). El grafito es un material muy bonito, conductor de la electricidad. Solo con moverlo sobre una superficie ya dibuja.
- Pinceles ( aparte de lijarlo, podemos mojarlo). El pincel debe estar limpio y seco para retirar el exceso de materia, y luego otro pincel para mojar.
- Borrador (pintado de negro y usándolo).
- Lija: se usa para rayar el borrador y conseguir borrados tonales.
En el dibujo saber poner y quitar.
- El difumino sirve para suavizar los colores y el contorno de las figuras y crear así sensación de movimiento y perspectiva.
- Ceras: las que utilizan los niños normalmente son los crayones, que están hechos de cera, carboncillo, tiza o diferentes materiales, se manifiestan en diversos colores y tienen la función tanto de dibujar como de pintar. El crayon si está hecho con resina seca y pigmento se llama pastel, si está hecho de tiza oleosa se llama pastel al aceite.
¿Para qué sirve el dibujo?: Para representar algo, para expresar una idea, un pensamiento.. sirve para expresar un mensaje.
TRABAJAR CON PLANTILLA
Podemos trabajar con linea proyectando la idea que tenemos pero este método también es muy útil. Empezamos haciendo una reserva y ya dibujando o incluso impregnando el carboncillo o el lápiz.
Ahora en clase vamos a hacer una montaña con reserva y con tres tonos diferentes.
Intento de primera actividad. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Otro intento de la segunda actividad a falta del tercer tono. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Con la práctica hemos podido ver que las partes más claras siempre están más cercanas que las partes oscuras dependiendo de la luminosidad del foco.
La profe nos habló de un llamado "¿Cuándo dejaste de dibujar?", cuyo breve resumen lo podemos encontrar en https://www.casadellibro.com/libro-cuando-dejaste-de-dibujar/9788494737268/6050545
| Fotografía del libro: ¿Cuándo dejaste de dibujar? Fecha de extracción 23 de abril de 2018. Recuperado de: http://libreriamayo.com/PS/creatividad/3676-cuando-dejaste-de-dibujar-9788494737268.html |
viernes, 20 de abril de 2018
Decimoséptimo día: Performance
Hoy hablaremos de performance. Primero la profesora nos pone un ejemplo de una mujer que hacía una performance para ver la muerte en 1º persona mediante un embarazo y el aborto. Y la performance de esto es que ella cuenta toda la historia de cómo llega a esto (muerte de gato) y cómo se embaraza para abortar después. Con esto se intentaba ver que hasta dónde están los límites en el nombre del arte.
Una de las destacadas en esto es Marina Abramović.
El Arte Performance es arte en vivo, es una forma de expresión libre y surge como una alternativa más de manifestarse en el Arte. Busca pasar del arte objeto al arte subjeto. Está ligado a los happening, a los behaviour art, a los fluxus event y al body art entre otros.
Caracteristicas: arte sujeto, arte vivo.
Es un arte en acción, en donde se busca la expresividad del cuerpo para emitir señales y comunicarlas y que busca el contacto directo con el público para hacerle partícipe de dicha acción. Es un arte sensitivo, emocional que busca el apoyo de diversas disciplinas y técnicas artísticas para llegar al punto más alto de la expresión. Se valen de instalaciones, coreografías, poesía, teatro, pintura,… no hay unos límites precisos, lo importante es impresionar, emocionar y transmitir la idea del artista al público presente.
En definitiva, una performance puede gustar o no gustar, pero ha de expresar un sentimiento, ha de impresionar y concienciar, debe provocar al público una inquietud interna, sensaciones de todo tipo, que no dejan indiferente a nadie.
(Información obtenida de la clase teoría con nuestra docente y apoyado de: QUE APRENDEMOS HOY: Qué es una performance-art. http://queaprendemoshoy.com/que-es-una-performance-art/ [Consulta: 20 de abril de 2018]
Nuestra performance se va a basar en la muerte, que está relacionado con lo que representa el sauce llorón. Se pondrá la música de un enterramiento e iremos en fila hacia el árbol llevando a Óscar en forma de cruz y daremos unas cuantas vueltas alrededor del árbol. Seguidamente, le dejaremos en el suelo simbolizando el enterramiento con las miradas fijas al suelo, y tras el transcurso de un periodo de tiempo, le haremos la señal de la cruz para que descanse en paz al lado del sauce llorón. Con esto simbolizamos la muerte como el sauce llorón.
El vídeo de nuestro performance se encuentra en el grupo de Facebook de clase, en el siguiente enlace: https://www.facebook.com/groups/329025000829060/permalink/496028770795348/
Una de las destacadas en esto es Marina Abramović.
El Arte Performance es arte en vivo, es una forma de expresión libre y surge como una alternativa más de manifestarse en el Arte. Busca pasar del arte objeto al arte subjeto. Está ligado a los happening, a los behaviour art, a los fluxus event y al body art entre otros.
Caracteristicas: arte sujeto, arte vivo.
Es un arte en acción, en donde se busca la expresividad del cuerpo para emitir señales y comunicarlas y que busca el contacto directo con el público para hacerle partícipe de dicha acción. Es un arte sensitivo, emocional que busca el apoyo de diversas disciplinas y técnicas artísticas para llegar al punto más alto de la expresión. Se valen de instalaciones, coreografías, poesía, teatro, pintura,… no hay unos límites precisos, lo importante es impresionar, emocionar y transmitir la idea del artista al público presente.
En definitiva, una performance puede gustar o no gustar, pero ha de expresar un sentimiento, ha de impresionar y concienciar, debe provocar al público una inquietud interna, sensaciones de todo tipo, que no dejan indiferente a nadie.
(Información obtenida de la clase teoría con nuestra docente y apoyado de: QUE APRENDEMOS HOY: Qué es una performance-art. http://queaprendemoshoy.com/que-es-una-performance-art/ [Consulta: 20 de abril de 2018]
Nuestra performance se va a basar en la muerte, que está relacionado con lo que representa el sauce llorón. Se pondrá la música de un enterramiento e iremos en fila hacia el árbol llevando a Óscar en forma de cruz y daremos unas cuantas vueltas alrededor del árbol. Seguidamente, le dejaremos en el suelo simbolizando el enterramiento con las miradas fijas al suelo, y tras el transcurso de un periodo de tiempo, le haremos la señal de la cruz para que descanse en paz al lado del sauce llorón. Con esto simbolizamos la muerte como el sauce llorón.
El vídeo de nuestro performance se encuentra en el grupo de Facebook de clase, en el siguiente enlace: https://www.facebook.com/groups/329025000829060/permalink/496028770795348/
jueves, 19 de abril de 2018
Decimosexto día: Evaluamos los árboles de nuestros compañeros.
Hoy la clase se basa en la evaluación y calificación a nuestros compañeros.
Primero la profesora realiza un experimento sobre evaluación para posteriormente calificarnos.
Hay varios tipos de juego: competitivos (ganar o perder), habilidad (aprendes a hacer cosas con satisfacción), socializadores (uno experimenta hasta donde puede llegar los demás) y los simbólicos, que es el del árbol (en el que aprendes a fijarte en las cosas, a imitar la realidad).
Las artes plásticas tienen que ver con la expresión y que es un juego simbólico, donde se construye el mundo. En plástica todos los niños aprender a ser personas y expresarse.
La evaluación en plástica debe ser:
- Saber ponerse en el lugar del niño y saber la frustración que debe ser un trabajo que no está bien dirigido.
- Saber que todos los arboles están bien, emitir un juicio y que hay distintos ritmos de trabajo. La Educación Plástica no es pinta y coloreo, esto no me gusta o me gusta, entra como te expresas, la capacidad para desarrollar ese trabajo y la capacidad que tengas para mejorar.
En este proyecto hemos aprendido escultura, economía de medios, mezcla de colores, que pintas pueden dar sobre otras...
Este trabajo de los árboles sirve para conocerse a si mismo, a los demás, a que quiere parecerse, que todo en evaluación va por comparación, sirve para entender el mundo, sirve para construirse a si mismo, para la expresión libre, para desarrollar potencialidades y para elevar el nivel de frustración, desarrolla también la flexibilidad.
Que temas podríamos tener en cuenta para evaluar los arboles: uno objetivo y otra conceptual. En la objetiva qué y cómo se ha hecho mientras en la conceptual tendríamos que ver que ha querido contar con ese árbol y si ha podido demostrarlo.
Performance: Es una forma de presentación de forma artística en la que interviene más de un área. Nosotros tenemos ya dos: escultura y pintura.
FICHA PARA LOS ÁRBOLES:
- Evaluación cualitativa. Valor formal: el cómo está hecho. (color, dimensiones, materiales, composición y tridimensionalidad. Cada uno es un punto).
- Evaluación Cuantitativa.
- Conclusión final en cada árbol evaluado.
Esta ficha la hemos hecho en clase y se la hemos entregado a la docente con nuestra evaluación de todos los árboles.
Los árboles de nuestros compañeros son los siguientes:
Chopo. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Tilo. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Palmera. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Diversidad. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Magnolio. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Platanero. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Cerezo. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Sauce I. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Ginkco. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Naranjo. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Nuestro sauce llorón (II). (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Primero la profesora realiza un experimento sobre evaluación para posteriormente calificarnos.
Hay varios tipos de juego: competitivos (ganar o perder), habilidad (aprendes a hacer cosas con satisfacción), socializadores (uno experimenta hasta donde puede llegar los demás) y los simbólicos, que es el del árbol (en el que aprendes a fijarte en las cosas, a imitar la realidad).
Las artes plásticas tienen que ver con la expresión y que es un juego simbólico, donde se construye el mundo. En plástica todos los niños aprender a ser personas y expresarse.
La evaluación en plástica debe ser:
- Saber ponerse en el lugar del niño y saber la frustración que debe ser un trabajo que no está bien dirigido.
- Saber que todos los arboles están bien, emitir un juicio y que hay distintos ritmos de trabajo. La Educación Plástica no es pinta y coloreo, esto no me gusta o me gusta, entra como te expresas, la capacidad para desarrollar ese trabajo y la capacidad que tengas para mejorar.
En este proyecto hemos aprendido escultura, economía de medios, mezcla de colores, que pintas pueden dar sobre otras...
Este trabajo de los árboles sirve para conocerse a si mismo, a los demás, a que quiere parecerse, que todo en evaluación va por comparación, sirve para entender el mundo, sirve para construirse a si mismo, para la expresión libre, para desarrollar potencialidades y para elevar el nivel de frustración, desarrolla también la flexibilidad.
Que temas podríamos tener en cuenta para evaluar los arboles: uno objetivo y otra conceptual. En la objetiva qué y cómo se ha hecho mientras en la conceptual tendríamos que ver que ha querido contar con ese árbol y si ha podido demostrarlo.
Performance: Es una forma de presentación de forma artística en la que interviene más de un área. Nosotros tenemos ya dos: escultura y pintura.
FICHA PARA LOS ÁRBOLES:
- Evaluación cualitativa. Valor formal: el cómo está hecho. (color, dimensiones, materiales, composición y tridimensionalidad. Cada uno es un punto).
- Evaluación Cuantitativa.
- Conclusión final en cada árbol evaluado.
Esta ficha la hemos hecho en clase y se la hemos entregado a la docente con nuestra evaluación de todos los árboles.
Los árboles de nuestros compañeros son los siguientes:
Chopo. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Tilo. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Palmera. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Diversidad. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Magnolio. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Platanero. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Cerezo. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Sauce I. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Ginkco. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Naranjo. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Nuestro sauce llorón (II). (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
miércoles, 18 de abril de 2018
Decimoquinto día: EL SAUCE YA SÍ ES LLORÓN!
Tras largos días de elaboración, hoy podemos decir que hemos terminado nuestro sauce llorón. Ha costado, no solo dinero..., sino también esfuerzo, dedicación, tiempo, muchísimo, y ganas. Pero lo hemos conseguido.
Ultimando los detalles de las hojas. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Hoy solo nos faltaba terminar de colocar las hojas y darles forma como nos dijo nuestra docente para que se asemejara a las hojas del sauce llorón.
Aquí os dejo algunas de las fotos de hoy.
Ultimando los detalles de las hojas. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Sauce llorón terminado. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
lunes, 16 de abril de 2018
Decimocuarto día: Árbolito de mi vida!
Hoy hemos continuado con la elaboración de hojas para nuestro sauce mientras otros compañeros iban añadiendo las hojas del día anterior ya secas al sauce.
Añadiendo hojas. ( Fotografía realizada por Óscar González Perera)
Añadiendo hojas. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano)
Pintando hojas para el sauce. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Mañana nos ha dicho nuestra docente que será el último día para confeccionar nuestro árbol ya que será evaluado en clase por todos nuestros compañeros cada árbol.
Además, nos ha dicho que subirá la tarea del libro y que el día del examen será el 27 de abril.
Añadiendo hojas. ( Fotografía realizada por Óscar González Perera)
Añadiendo hojas. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano)
Pintando hojas para el sauce. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Mañana nos ha dicho nuestra docente que será el último día para confeccionar nuestro árbol ya que será evaluado en clase por todos nuestros compañeros cada árbol.
Además, nos ha dicho que subirá la tarea del libro y que el día del examen será el 27 de abril.
viernes, 13 de abril de 2018
Decimotercero día: El sauce nos va costando cada día más.
Como estos días, hemos continuado pintando nuestro sauce llorón. En este caso, hemos pintado hojas de periódico para las hojas. Para ello hemos utilizado dos verdes distintos además de blanco para llegar al color verde que necesitamos para las hojas.
Pintando las hojas. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Por otro lado, se ha ido pintando las ramas del sauce llorón del mismo marrón que salió de la mezcla que utilizamos ayer.
8F
Pintando las ramas. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
El próximo día, continuaremos pintando hojas además de ir colocándolas en el sauce llorón.
Pintando las hojas. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Por otro lado, se ha ido pintando las ramas del sauce llorón del mismo marrón que salió de la mezcla que utilizamos ayer.
8F
Pintando las ramas. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).El próximo día, continuaremos pintando hojas además de ir colocándolas en el sauce llorón.
jueves, 12 de abril de 2018
Duodécimo día: Seguimos pintando
Hoy hemos continuado pintando nuestro sauce.
En este caso, hemos pintado el tronco usando rojo, verdes oscuros, morado y azul, llegando a obtener marrones ocres, marrones claros y marrones con reflejos rojizos.
Nuestros compañeros Óscar y Luis pintando el tronco del sauce. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Hemos cubierto la estructura del paraguas con hojas de papel de periódico para simular que son las ramas del sauce.
Añadiendo ramas al sauce. (Fotografía realizada por Sergio García Rodríguez).
El próximo día vamos a realizar más hojas y pintarlas. Además acabaremos de completar el tronco con otra capa de pintura.
En este caso, hemos pintado el tronco usando rojo, verdes oscuros, morado y azul, llegando a obtener marrones ocres, marrones claros y marrones con reflejos rojizos.
Nuestros compañeros Óscar y Luis pintando el tronco del sauce. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Hemos cubierto la estructura del paraguas con hojas de papel de periódico para simular que son las ramas del sauce.
Añadiendo ramas al sauce. (Fotografía realizada por Sergio García Rodríguez).El próximo día vamos a realizar más hojas y pintarlas. Además acabaremos de completar el tronco con otra capa de pintura.
miércoles, 11 de abril de 2018
Undécimo día: Pintamos
Hoy nos disponemos a pintar las diferentes partes del sauce llorón.
Tras la petición de nuestra docente de traer los materiales mencionados en la entrada anterior, nos disponemos a pintar las hojas de nuestro árbol y el tronco.
Para la pintura de las hojas, hemos utilizado verde combinado con un poco de blanco.
Pintura verde y blanco, además del flu flu con la mezcla.
(Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Pintamos las hojas de nuestro árbol. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
A la vez, nos encargábamos también de pintar el tronco del árbol con marrón al que se le pondrá otra capa el próximo día de un marrón más oscuro.
Pintamos el tronco de nuestro sauce llorón. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Primera capa terminada de marrón. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Durante la sesión, otros de los compañeros se han dedicado a realizar más hojas que nos hacían falta para completar el árbol.
El próximo día continuaremos pintando nuestro sauce llorón con el objetivo de ir terminándolo.
Tras la petición de nuestra docente de traer los materiales mencionados en la entrada anterior, nos disponemos a pintar las hojas de nuestro árbol y el tronco.
Para la pintura de las hojas, hemos utilizado verde combinado con un poco de blanco.
Pintura verde y blanco, además del flu flu con la mezcla.
(Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Pintamos las hojas de nuestro árbol. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
A la vez, nos encargábamos también de pintar el tronco del árbol con marrón al que se le pondrá otra capa el próximo día de un marrón más oscuro.
Pintamos el tronco de nuestro sauce llorón. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Primera capa terminada de marrón. (Fotografía realizada por Diego Rivas Lozano).
Durante la sesión, otros de los compañeros se han dedicado a realizar más hojas que nos hacían falta para completar el árbol.
El próximo día continuaremos pintando nuestro sauce llorón con el objetivo de ir terminándolo.
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